¿Por qué hacer una película en blanco y negro?

por Mariana y punto & magdalena en #Zancada8

El color en las películas ha existido desde que existe el cine. Por 1890 se pintaba el celuloide cuidadosamente a mano; las técnicas de que el color viniera desde la realidad que se estaba filmando empezaron a usarse por ahí por la Primera Guerra Mundial; pero el color como lo conocemos hoy -Technicolor- partió en los años 30. “La gran película que cambió la industria y mostró en full las capacidades del color fue probablemente Lo que el viento se llevó, que es de 1939. Durante los años 40 había un porcentaje no despreciable de películas a color, pero el grueso de la producción del cine fue en blanco y negro hasta la aparición de la tele; las películas a color se asociaban a grandes espectáculos, por ejemplo musicales. Y en eso es bien parecido a lo que pasa ahora con el 3D, que si bien es una tecnología que está disponible, solamente se usa para aquellas películas más visualmente espectaculares. Pero desde los años 20 ya había varias tecnologías de color que se habían desarrollado. En los años 50 con la aparición de la televisión, como la televisión era en blanco y negro, el cine tenía que presentar una alternativa y esa gracia era el color”, nos explica Juan Pablo Sarmiento, montajista y guionista, profesor de Dirección Audiovisual UC.

Desde hace ya varios años que hacer cine en blanco y negro ni siquiera es más barato que hacerlo a color, menos con la llegada del cine digital, aclara: “Y no es necesariamente fácil fotografiar para el cine en blanco y negro, el tema de la composición; puede ser más complejo y más caro. Para ponerles un ejemplo: una película a color de bajo presupuesto tienes que iluminar algunas cosas, preocuparte de la luz para que se vea más o menos bien, pero puedes hacer una película a color prácticamente trabajando con casi pura luz natural; trabajando con blanco y negro también lo puedes hacer pero es un poco más difícil, porque por ejemplo se tienden a pegar más las distintas capas de imagen, y se tiende a hacer más necesario por ejemplo ocupar contraluces para separar a los personajes de los fondos, si estos fondos son parecidos ponte tú al color de su pelo. Ocupar más luces puede implicar más tiempo o más plata en iluminación. Y hay que pensar más los encuadres; un encuadre en blanco y negro es más abstracto” es más gráfico, y se perdona menos el mal encuadre en una película en blanco y negro que en una película a color”.

Hacer una película en blanco y negro en la actualidad es una decisión grande. Así se va a ver todos los minutos que dure, y así va a quedar para siempre. Hay quienes encuentran que es una decisión pretenciosa, y seguro que llama la atención. Pero hay quienes creen que esa sola decisión es algo que aleja a un potencial público. Así que buscamos por qué algunos de nuestros directores favoritos tomaron esa decisión de (no) ponerle color a algunos de sus trabajos.

La Vida me mata de Sebastián Silva (2007)

“Es un antojo la verdad, pero son dos motivos. Hay dos películas que me fascinaban que están en blanco y negro: Who’s Afraid of Virginia Woolf?, con Elizabeth Taylor y What Ever Happened to Baby Jane?, o también La Malvada y una serie de películas en blanco y negro que yo estaba viendo entonces, que me tenían fascinado. Lo otro que también es importante, es que yo tengo una relación con el color no compleja, pero intensa. Yo pinto e ilustro, eso es lo que más he hecho, esto de las películas es súper nuevo. Entonces al hacer una película a color iba a estar demasiado pendiente de eso, de la paleta de colores que había en una escena, el equilibrio de los colores, entonces me iba a desconcentrar, lo que para mí era más importante en la primera película y ojalá en las otras, que era la narrativa y la dirección de actores. Era desprenderse de un elemento importante”.

fuente: entrevista de Felipe Vásquez en Emol

Manhattan de Woody Allen (1979)

“Con todo lo que se habló de Manhattan, nunca ganó premios -incluso la fotografía de Gordon Willis fue ignorada. Filmamos en blanco y negro porque es tan hermoso, y la hicimos en widescreen porque queríamos hacer una película íntima en un formato que estuviera asociado a películas épicas y de guerra. Yo quería mostrar que no necesitas miles de soldados para llenar un cuadro”.

fuente: entrevista en Total Film

Excursiones de Ezequiel Acuña (2009)

“Por un lado, el corto Rocío era en blanco y negro, así que había una continuidad. Pero también nos interesó minimizar los elementos, la iluminación, trabajar con menos. Fernando Lockett (director de fotografía de Otra vuelta y Cómo estar muerto/Como estar muerto), a quien le gusta mucho el cine de Philippe Garrel, hizo un gran trabajo. Yo lo conocía por algunas películas y cuando nos juntamos a conversar sobre el proyecto, me convencí de trabajar con él. El equipo fue muy chico. No había camión, nada. No éramos más de 10 personas en el set. Y, por ejemplo, no hay escenas nocturnas. En Como un avión estrellado nos demorábamos horas para filmar una caminata de noche”.

fuente: entrevista de Andrés Nazarala en Mabuse

Clerks de Kevin Smith (1994)

La película costó 27.000 dólares, que Kevin Smith juntó vendiendo colecciones de cómics, agotando varias tarjetas de crédito y pidiéndole plata a sus papás.
“El presupuesto escaso es parte del porqué se filmó en blanco y negro. Se usaron distintos tipos de iluminación, lo que habría requerido mucha post-producción para resolver problemas relacionados a las diferentes temperaturas de color. Con blanco y negro eso no es un problema”.


fuente: IMDb

25 Watts de Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella (2001)

En varias reseñas y críticas aluden a la admiración que Stoll y Rebella habrían tenido por Jim Jarmusch o Raúl Perrone, “A pesar de que Stoll aclarara que el blanco y negro fue una elección de producción porque: ‘era más barato el revelado de 16 mm en esos colores y más fácil para falsear la luz'”.

fuente: Carol Antúnez en Cinent.com

Frances Ha de Noah Baumbach (2012)

“Cuando haces una película en blanco y negro, la película valdrá menos que si la haces en color: esa es la realidad. Tú sólo tienes que decidir que eso no te importe! Hay algo sobre la naturaleza contemporánea de Frances Ha que quería capturar clásica o épicamente, de alguna forma. Pese a que es una historia íntima, yo quería celebrarla de una manera grandiosa y cinematográfica y el blanco y negro tiene esa sensación. Sentía que debía ser filmada linda, romántica y cinematográficamente. Aunque ella estuviera decidiendo si pagar o no el recargo del cajero automático, ¿por qué no representarlo cinematográficamente?”.

fuente: entrevista de Robert Beames en WhatCulture!

Fotos:
La vida me mata, gentileza de Fábula
Frances Ha, IFC Films

(Este artículo –y mucho más– fue publicado en la Edición Especial Aniversario Zancada #8: A Color, que puedes ver aquí o en este link).